martes, 30 de octubre de 2012

Un tranvía llamado deseo, criticada por unos y alabada por muchos


Un tranvía llamado deseo (1951) es un subversivo,  film  que fue adaptada a partir de 1947 de Tennessee Williams, ganador del Premio Pulitzer (el primero) del mismo nombre. [Los primeros títulos de trabajo para la obra incluye la polilla, y The Night Poker .] El dramaturgo Williams adaptó su propia obra de teatro para la versión cinematográfica. Esta obra maestra que el film fue dirigido por el director  independiente  Elia Kazan (su primer trabajo con Williams), un director con conciencia social que insistió en que la película sea fiel a la obra (que había dirigido también en Broadway). Sin embargo, se abrió para incluir lugares sólo se mencionan brevemente o inexistentes en la obra, como la bolera, el muelle de un casino de baile, y la fábrica de la máquina.


La película cuenta la historia electrizante febril de la desaparición  mental y emocional de una dama sureña determinada, aún frágil, reprimida y delicada (Blanche) nació en una familia acomodada de plantadores de Mississippi. Su caída al empobrecido, trágico barrio francés, ademas miserable, agobiante y de mal gusto apartamento de un dormitorio de su hermana casada (Stella) y el  hermanastro Stanley (Marlon Brando) se encuentra en manos de las fuerzas salvajes y brutales de la sociedad moderna. En su búsqueda de refugio, se encuentra con que vive su hermana, con la embriaguez, la violencia, la lujuria y la ignorancia.


La película visceral, objeto de polémica, decadente, y "moralmente repugnante", desafió la censura del Código de Producción de reglamentación (y la Legión de la Decencia) con su drama adulto audaz y temas sexuales (la locura, la violación, la violencia doméstica, la homosexualidad, la obsesión sexual, y las mujeres promiscuas o la ninfomanía). En última instancia, señaló el debilitamiento de la censura de Hollywood (y grupos como la Legión Católica de la Decencia), aunque una serie de escenas fueron extirpados, y un nuevo diálogo fue escrito. Y el Código de la Producción insistió en que Stanley debía ser castigado por la violación por parte de la pérdida del amor de su esposa en la conclusión de la película. En 1993, aproximadamente de tres a cinco minutos de las escenas censuradas (es decir, referencias y específicas escenas de homosexuales de Blanche - o bisexuales con el joven esposo, su ninfomanía y la violación de Stanley a Blanche) fueron restaurados en vídeo a la versión del director original con una nueva publicación.





Al rojo vivo, una de las mejores películas de misterio


Al rojo vivo (1949) es uno de los mejores clásicos del crimen y dramas de la posguerra, y una de las últimas películas de Warner Bros del llamado crimen arenoso en su época. Al rojo vivo es un retrato divertido, fascinante e hipnótico de un extravagante, dominado por la madre y obsesionado, epiléptico y asesino psicótico, que a menudo brota con su humor. La película dinámica, tanto con el cine negro y los elementos de estilo documental, se caracteriza por un aumento del nivel de violencia y brutalidad, junto con elementos clásicos griegos.



El guión de la película por Ivan Goff y Ben Roberts fue sugerido por una historia del mismo nombre por Virginia Kellogg.Recibió una nominación al Oscar a la Mejor historia - la película sólo logró la nominación. La róxima película de Kellogg fue el drama carcelario brutal en Caged (1950) que establece en una institución para mujeres. El gángster, de sangre fría y retorcido  tiene mucha personalidad y defectos psicológicos, pero es trágico y finalmente traicionado por la estupidez de sus más cercanos cómplices (un miembro de mano derecha de banda e incluso su madre criminal), y por su amigo de confianza que es en realidad un policía encubierto. La película está inspirada en la vida real del gángster Arthur "Doc" y su madre Ma Barker.



El melodramático, freudiano mostrado en la película basada en el crimen se ve reforzada por la partitura musical de Max Steiner y el ritmo frenético brillantemente servido por el director. Las tres escenas más memorables incluyen:

  • La escena que retrataa el afecto insalubre del gángster hacia su madre que lo alivia durante los episodios de migraña.
  • La escena del desastre en prisión cuando el gángster loco se entera de la muerte de su madre y se va  a beserk
  • El final apocalíptico mientras muere en un resplandor de gloria.



El beso mortal, entre lo mejor de cine negro


El beso mortal (1955) es la definitiva, apocalíptica, nihilista, de ciencia ficción del cine negro de todos los tiempos, al cierre del período noir clásico. La película dura al filo de los años 50 en Los Ángeles el héroe (trasplantado de Nueva York), creado por la pulpa novela del escritor Mickey Spillane, sigue los pasos de los héroes de detectives de otras de las plumas de Raymond Chandler (Phillip Marlowe), Dashiell Hammett y James M. Cain . Anteriores películas del director Robert Aldrich habían sido sólo dos westerns de rutina y un film noir: Vera Cruz (1954) y Apache (1954), y el Mundial de Ransom (1954) . Se iba a dirigir el seguimiento de The Big Knife (1956) , y dos thrillers de terror macabro psicológicos: ¿Qué fue de Baby Jane (1962) y Hush, Hush Sweet Charlotte (1965) . La fotografía por Ernest Laszlo había trabajado en otro famoso noir, la película, DOA (1950) , que lo preparó para esta película. En tanto, utilizó iluminación expresionista  y sombras, reminiscient de El gabinete del Dr. Caligari (1920) .


Esta película independiente cuenta con un barato presupuesto y narra la historia del investigador despreciable, fascista y vigilante llamado Mike Hammer cuyas marcas son la violencia brutal, la filosofía fin justifica los medios y la velocidad. El policía duro y despiadado que va por la búsqueda egoísta y solitaria del objeto apocalíptico al rojo vivo en una misteriosa "caja de Pandora", conduce a la catástrofe nuclear y la aniquilación durante la final explosivo en una casa de playa de Malibú - aunque no hay mención explícita de la bomba atómica, nuclear o termo en la película nihilista. Una versión censurada de la película imprudente, debido a la Liga Católica de Decencia, dio lugar a finales alternativos - pero los dos episodios finales fueron catastróficos.



Tiene todos los elementos de la gran película de cine negro - una secuencia de apertura Stark,  bajos fondos mafiosos y un antihéroe, escenas nocturnas iluminadas, una misión vengativa, y un estado de ánimo oscuro de desesperanza. 

Contacto en Francia, entre las mejores de Hollywood



Contacto en Francia (1971) del brillante director William Friedkin, de ritmo rápido, brutalmente realista narra el delito de la policía y su ruptura comercial a través del cine. La película fiel a la vida de la mayor incautación de drogas de todos los tiempos en 1962 - con un innovador semi-documental, con un estilo de técnica que transmite la historia con muy pocas palabras, fue producido por Phillip D'Antoni que había hecho la emocionante película sobre el policía Bullitt (1968) .El thriller policial cuenta con un protagonista antipático, el vulgar, brutal, incansable, antipático, maniático y sádico Jimmy "Popeye" Doyle (Gene Hackman) como el principal secreto de la policía de narcóticos en Nueva York, y la línea fina entre la lucha contra la delincuencia y la comisión de delitos en sí mismo. Él apasionada y obsesiva persigue narcotraficantes con su compañero Buddy "Cloudy" Russo (Roy Scheider). Uno de los carteles de la película enfatizó: "Doyle siempre trae malas noticias, pero es un buen policía." 



El guión  de la película fue basada en el libro best seller Robin Moore del mismo nombre sobre los despiadados de la vida real y las aventuras del idiosincrático de la escuadra de oficiales en narcóticos comandados por Egan Eddie (el personaje de Doyle) y Sonny Grosso (Russo) - ambos tienen experiencia en cine ademas por lo cual en la película se desempeñaron como asesores técnicos de la película.



La película, nominada fuertemente (con ocho nominaciones) era un premio de múltiples academias ganando por el gran esfuerzo, teniendo galardones en cinco categorías: Mejor director (William Friedkin), Mejor Actor (Hackman con su primer Oscar), Mejor Guión Adaptado (Ernest Tidyman), Mejor montaje (Jerry Greenberg), y Mejor Película. Las otras tres nominaciones fueron: Mejor Actor de Reparto (Roy Scheider),  Mejor Sonido y fotografía (Owen Roizman).

martes, 23 de octubre de 2012

Indiana Jones y su legendaria búsqueda por el arca perdida


En busca del arca perdida (1981) es el espectacular película de aventura, que te deja sin aliento, establecido un paso sin parar de acción y aventura de la película de 1980. Fue en verano un enorme éxito de taquilla. La película fue concebida por el productor George Lucas y dirigida por Steven Spielberg. [Cabe destacar que esta fue la primera colaboración plena entre los dos legendarios cineastas americanos.] Acreditado guión de Lawrence Kasdan por la película que estaba basada en una historia de George Lucas y con los colaboradores Philip Kaufman.


Harrison Ford, quien había protagonizado Lucas, Star Wars (1977), tomó el papel del arqueólogo trotamundos, aventurero, héroe de libros de comics, profesor de academia con una chaqueta de cuero y látigo cuando Tom Selleck rechazó el papel y optó por seguir su carrera en la televisión como Magnum, PI (Tim Matheson, Nick Nolte, y Peter Coyote también fueron considerados para el papel, y Sean Young se puso a prueba para el papel finalmente aceptada por Karen Allen. Selleck más tarde apareció en una Raiders  en la  película titulada  Camino a China (1983).)


 El fanfarrón, quien le tiene un impresionante  miedo a las serpientes fue diseñado para ser imperfecto pero arrogante, con frecuencia cuenta con: "Confianza en si mismo" El personaje fue originalmente llamado Indiana Smith, pero fue cambiado por Spielberg. [Nota: "Indiana" era el nombre del perro de Lucas. El carácter aventurero de Indiana Jones fue basado libremente en un arqueólogo de principios del siglo XIX italiano llamado Giovanni Belzoni, quien se hizo famoso por explorar y excavar preciados sitios egipcios.


El durmiente, un éxito mas de Woody Allen



Durmiente (1973) película de  ciencia ficción de Woody Allen, sin duda es todo un clásico de la comedia satírica y la comedia screwball  del futuro - con música dixieland y swing. El cartel de la película decía: "WOODY ALLEN TOMA una mirada nostálgica hacia el futuro." Esta película era de un período anterior de Allen, cuando era conocido por aparecer en o dirigir comedias ligeras, como Toma el dinero y corre (1969), Bananas (1971) , Play It Again, Sam (1972) y Todo lo que siempre quiso a saber sobre el sexo y no se atrevió a preguntar (1972) .




Lleno de una sola línea, la película de Allen, tanto satiriza los años 1970 y parodias de ciencia ficción libros y los clásicos del pasado, como Buck Rogers "Serial" (1939), de Carroll Alicia en el País de las Maravillas, de Kubrick 2001: Una odisea del espacio (1968) y La naranja mecánica (1971), de George Lucas THX 1138 (1971), la novela futurista de George Orwell 1984 , y Aldous Huxley Un mundo feliz.



También evoca clásicos de la comedia slapstick como Harold Lloyd y Buster Keaton películas, la Keystone Kops, Chaplin, Tiempos modernos (1936) y los Hermanos Marx Sopa de ganso (1933). Al igual que Chaplin en muchas de sus películas, Allen dirigió, escribió, protagonizó, y compuso la banda sonora de esta película. La película narra la historia de un músico de jazz clarinete y co-propietario de una tienda de alimentos saludables en Greenwich Village, nerdy Miles Monroe (Woody Allen), se encuentra 200 años en el futuro distópico en el año 2173. 

King Kong, un clásico para nunca olvidar


El mayor y más famoso clásico del cine de aventuras y fantasía (y de horror) de todos los tiempos es King Kong (1933). Los co-productores y directores Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack (tanto de la vida real aventureros y documentalistas de cine) concibieron la historia de bajo presupuesto de una mujer hermosa, valiente rubia (Fay Wray) y un aterrador, gigantesco, mono que es a la vez un monstruo como una metáfora de re-narración de la belleza arquetípica y la fábula Bestia. [Fay Wray cree erróneamente que su película en la que fue co-estrella, "seria su mejor película en Hollywood," sería Cary Grant en lugar de la bestia. Más tarde en su vida, su autobiografía titulada "On the Other Hand" en memoria de su  escena retorciéndose en los brazos de King Kong.]





 Los temas principales de la película incluyen la lucha por la supervivencia en la primitiva, envuelta en niebla, Isla tropical  Calavera entre los cineastas apasionados y enérgicos (dirigida por Robert Armstrong), el héroe (Bruce Cabot en una zona originalmente ofrecido a Joel McCrea), vudús nativos, y las fuerzas de la naturaleza (la única criatura Bestia), el amor no correspondido y la frustración y la represión de los deseos sexuales violentos. Sin embargo, el simio primitivo, gigante también debe luchar contra las fuerzas de la civilización urbana y la tecnología cuando se explota con fines de lucro y llega para su exhibición en Nueva York durante una época de opresión económica.






Desde el comienzo de la película, su guión inteligente por James Ashmore Creelman y Ruth Rose (basado en una historia de Merian C. Cooper y Edgar Wallace) sugirió el terror que viene. La película se rodó durante la primavera y el verano de 1932 en los confines del estudio. Debido a su limitado presupuesto.  

Patton, el General que se hizo héroe


 Patton (1970) es la biografía película épica de la Guerra de lo controversial, rimbombante, multi-dimensional. El General mundial de la guerra y héroe George S. Patton. El más grande de la época, extravagante y disidente, figura militar beligerante, apodada "Sangre vieja y tripas", era bien conocido por su amor feroz por América, al mando de su campo de batalla temperamental, su arrogante poder de la lujuria (Que Dios me ayude, lo que hago lo quiero tanto. Me gusta mucho más que a mi vida "), su escritura poética, su bofetadas de un soldado de batalla fatigado, su anti-diplomática crítica a la Unión Soviética, y su despido de pistolas en aviones de combate.

La película, rodada en 70 mm. Panorámica de color, recibió una fenomenal calificación y diez nominaciones a los Oscar y ganó siete premios principales: Mejor Película, Mejor Actor (Scott se negó a aceptar el honor), Mejor Director (Franklin J. Schaffner), Mejor historia y guión (Francis Ford Coppola y Edmund H . Norte), Mejor Dirección Artística / Decoración, Mejor Sonido y Mejor Montaje. Sus otras tres nominaciones fueron: Mejor Fotografía, Mejor Banda Sonora Original (Jerry Goldsmith) y Mejores Efectos Visuales Especiales. La historia se basa en dos libros: Patton: Ordeal y triunfo por Ladislas Farago e Historia de un soldado por el general Omar Bradley (interpretado por Karl Malden). Como resultado de la victoria del avance de Coppola en 1970, se dedicó a escribir y dirigir El Padrino (1972).




Aunque George C. Scott interpretó al famoso general perfectamente y se convirtió en película arquetípico de Scott, el papel era considerado también por Burt Lancaster, Rod Steiger, Lee Marvin, Robert Mitchum y John Wayne. 

jueves, 27 de septiembre de 2012

La noche del cazador, la historia de un asesino en serie


 La noche del cazador (1955) es una obra maestra clásica verdaderamente convincente, inquietante y aterrador thriller de fantasía, y la única película dirigida por el gran actor británico Charles Laughton. El gótico americano, el relato bíblico de la codicia, la inocencia, la seducción, el pecado y la corrupción fue adaptada para la pantalla por el famoso escritor Agee- James (y Laughton, pero sin crédito de la pantalla). Aunque una de las mejores películas americanas de todos los tiempos, la imaginación, el trabajo experimental, sofisticado era idiosincrásico, en una película noirish, onírico expresionista y extraño, y era a la vez ignorada e incomprendida en el momento de su lanzamiento. Originalmente, fue un fracaso comercial y de crítica.

Robert Mitchum le dio lo que algunos consideran su mejor actuación en un papel que sentó precedente, impopular y aterradora verdad que las tendencias de ojos soñolientos, diabólico y oscuro de alma, autoproclamado como un asesino en serie. El psicótico, asesino, mientras esta en la búsqueda de $ 10.000 en efectivo. Lillian Gish jugó su papel mas importante como una santa mujer buena que proporcionaba refugio a los niños víctimas de desamparo.


La historia inquietante, complejo, basado en el popular best-seller 1953 era de la Depresión,  novela del mismo nombre por primera vez escrito por Davis Grubb, quien estableció la ubicación de su novela en la ciudad de Moundsville, Virginia Occidental, Virginia Occidental, donde el Penitenciario (también mencionado en la película) se encontraba. Grubb vive en las cercanías de Clarksburg como un joven adolescente.

El halcón maltés, la primera película del cine negro


El halcón maltés (1941) es uno de los misterios de detectives más populares y clásicos que mejor jamás se ha hecho, y muchos historiadores cinematográficos consideran que es la primera de la era del  "film noir" o bien cine negro, como género en Hollywood. Se deja a los espectadores con una conclusión clara y con un sabor amargo. La película de bajo presupuesto refleja el notable debut como director de John Huston (anteriormente guionista) que de manera eficiente y hábilmente compuesto y grabado en este clásico americano para Warner Bros. Studios, con grandes diálogos, los personajes engañosos, y las escenas amenazantes.


El precoz director Huston era muy fiel lector de la novela de Dashiell Hammett El halcón maltés 1929 , que había aparecido originalmente como una historia de cinco partes por entregar en una ficción, la historia de detective así como la publicación revista llamada Máscara Negro . Sin embargo, para una primera vista previa de la audiencia, la película llevó otro curso, de corta duración del título, La Gent Del Frisco . Hay dos grandes diferencias entre el libro y la película: 1.  Gutman fue asesinado por Wilmer, y 2. la última línea de diálogo es citable, con una referencia de Shakespeare, lo cual fue ideado por Bogart en el set.



La película de estilo es una mezcla de misterio, romance y suspenso. Es sobre todo conocido por una serie de representaciones memorables de corruptos y fraudulentos, tercos villanos ("The Fat Man" o Gutman por Sydney Greenstreet), los bajos fondos extravagantes de los ladrones (Peter Lorre y Cook Gunsel 'Eliseo, Jr.)) Y los héroes difíciles, entrecruzados, con complejas interacciones entre los personajes vívidamente, intrigas y engaños. Todo está contenido en las caracterizaciones maravillosas y líneas de diálogo.

Sunset Boulevard, entre los grandes clásicos de Hollywood


Sunset Boulevard (1950) es una comedia clásica de humor negro con un poco de drama, y quizás el más aclamado, pero más oscuro film-noir de la historia "detrás de escena" de Hollywood, usando el autoengaño, el vacío espiritual y espacial, y el precio de la fama, la codicia, narcisismo y ambición. El estado de ánimo de la película se estableció inmediatamente como decadente y en descomposición por el narrador póstumo - un hombre muerto flotando boca abajo en una piscina en Beverly Hills.


Con ingenio cáustico y amargo en una historia que mezcla realidad y ficción a la vez y el sueño y la realidad, con el co-escritor y director Billy Wilder quien expone de manera realista (con numerosas bromas) las influencias corruptoras, devastadores del nuevo Hollywood y el sistema de estudio, mostrando el declive de las viejas leyendas de Hollywood durante muchos años después de la llegada del sonido. El guión se basó en la historia una lata de frijoles por Wilder y Brackett -. Este fue el último esfuerzo de colaboración de la película Brackett y Wilder que habían trabajado juntos en muchas películas desde 1938.
Este film clásico, trágico fue altamente considerado en su época, honrado con once nominaciones al Oscar y ganando tres premios Oscar: Mejor historia y guión (co-escrito por Charles Brackett, Marshman DM, Jr. y Billy Wilder), Mejor Scoring Negro y Decoración White Dirección Artística y Set, y el mejor de un cuadro dramático o de la comedia (Franz Waxman). Los ocho nominaciones infructuosas fueron a la Mejor Película, Mejor Actor (William Holden), Mejor Actriz (Gloria Swanson, quien perdió cambiada por Judy Holliday) Mejor Actor de Reparto (Erich von Stroheim), Mejor Actriz de Reparto (Nancy Olson), Mejor Director, Mejor fotografía (John Seitz), y Mejor Montaje.

Con faldas y a lo loco (1959), entre las mejores comedias de todos los tiempos


El escandaloso de todos los tiempos y satírica comedia Con faldas y a lo loco (1959) es una de las más hilarantes, películas escandalosas que jamás se han hecho. La película obscena es una inteligente combinación de muchos elementos: una parodia de las películas de gángsters 1920-30 con trajes de época y clandestinos, y el romance en una comedia central, con identidades entrelazadas y engañosas, invirtió los roles sexuales y travestismo. De hecho, uno de los temas principales de la película es el disfraz y la mascarada - por ejemplo, los trajes de arrastre de los dos músicos masculinos, el disfraz de Joe como Cary Grant, como millonario impotente, y la felicidad de Jerry con un verdadero rico, dueño de un yate de jubilados.

También es una película en blanco y negro (que recuerda a la época del cine temprano) lleno de acción sin parar (por ejemplo, la primera persecución en coche) y de una sola línea que recuerda a los Hermanos Marx y comedias de Mack Sennett. Una anterior película de Bob Hope tenía el mismo título: Con faldas ya lo loco (1939). Título de trabajo de la película era Not Tonight, Josephine! (su origen fue llevado desde la respuesta de Napoleón Bonaparte al negarse a tener sexo con la emperatriz Josephine).


La película fue excepcional y también la más taquillera comedia a su vez, una de las películas más exitosas de 1959, y la comedia más divertida de Wilder en su carrera. La película fue inspirada por el director alemán Kurt Hoffmann película de comedia y musical Fanfares of Love (1951) (también conocido como Fanfaren der Liebe) con un elemento de la trama similar que el escritor y director Wilder expuso. Con las actuaciones de Marilyn Monroe y Tony Curtis, sin duda, es un clásico que no te puedes perder. 

miércoles, 26 de septiembre de 2012

Rebecca, un clásico de Hitchcock


Rebecca (1940) es el clásico de Hitchcock, un thriller de misterio gótico y una irresistible (historia de fantasmas inquietante) sobre un romance torturado. Una película costosa producida por David O. Selznick (tras su reciente éxito con Lo que el viento se llevó (1939) ), fue esta la primera película americana de Hitchcock en Hollywood, aunque conservó características claramente británicos de sus misteriosos asesinatos anteriores. El guión de la película sombría (por Robert E. Sherwood y Joan Harrison) se basa en una traducción literal de 1938 de la novela gótica de Daphne du Maurier del mismo nombre, con la tradicional Charlotte Brontë Jane Eyre. Uno de los carteles de la película hace la pregunta intrigante: "¿Cuál era el secreto de Manderley?"


La película crea una atmósfera inquietante que rodea el cortejo trágico del matrimonio y la relación de una mujer ingenua, simple e inocente joven (Joan Fontaine) a un viudo melancólico y sobrecargado - un aristócrata, de mal humor y patriarca (Laurence Olivier), que vive en una finca llamada Manderley. [Nota: La mujer estaba sin nombre, como en la novela, pero en los primeros borradores del guión original, el nombre de la heroína era Daphne - después de Daphne du Maurier]


La novia patética, desconcertada y tímida con temor, dolor y la culpa cuando psicológicamente es dominada por la "presencia" y recuerdos de la esposa fallecida (llamada Rebecca), quien además está siendo atormentada por la ama de llaves de Rebecca (Judith Anderson) quien adora ciegamente a la difunta.  Esta película en blanco y negro recibió once nominaciones a los Oscar - y ganó por el director designado a su primer y único Oscar de Mejor Película, superando a la fuerte competencia en el año de 1940 con las uvas de la ira , El Gran Dictador, entre otras películas mas. 

Cadena perpetua, nominada a 7 Premios de la Academia


Cadena perpetua (1994) es una pieza extraordinario y  fascinante realización del director de películas Frank y del guionista de Darabont en 1982 que adaptó el horror maestro de la novela de Stephen King Rita Hayworth y la redención de Shawshank (publicado por primera vez por Different Seasons ) por su primer largometraje. La inspiración, afirmación de la vida y edificante, pero pasado de moda al estilo de Hollywood (que se asemeja El hombre de Alcatraz (1962) y La leyenda del indomable (1967) ) es una película con combinación de prisión, drama y estudio de caracteres. El cine popular es fomentado por la cinematografía de oro de Roger Deakins, una excelente puntuación gracias a  Thomas Newman, y un tercer personaje imponente, la prisión estatal de Shawshank, ubicada en Maine.


La película ilustra el poder liberador, redentor de la esperanza y los temas religiosos de la libertad y de la resurrección, con las palabras: "El miedo puede mantener preso, esperamos que se os hará libres. La película es un cuento alegórico de la amistad, la paciencia, la esperanza, la supervivencia, la emancipación y redención final y la salvación por el momento final de la película.


Fue nominada a siete Premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, Mejor Actor (Morgan Freeman), Mejor Guión Adaptado, Mejor Sonido Fotografía, Mejor Montaje, Mejor Música Original - pero no pudo ganar un solo Oscar. Y el director de la película no recibió una nominación. En el mismo año de Forrest Gump , Pulp Fiction , y Speed , recibieron toda la atención. La película finalmente fue la precursora de otra película inspiradora y popular (y una adaptación similar de un relato de Stephen King, escrita por Frank escritor y Darabont como director) - La milla verde (1999).


Lo que el viento se llevo, un clásico de todos los tiempos


 Lo que el viento se llevo (1939) es a menudo considerado el más amado, cine duradero y popular de todos los tiempos. Guión de Sidney Howard se derivó de la primera y única publicación de Margaret Mitchell y de mayor venta “Guerra Civil y la Reconstrucción” la novela con 1.037 páginas que apareció por primera vez en 1936, pero fue escrito en su mayoría en la década de 1920. 


El productor David O. Selznick había adquirido los derechos cinematográficos de la novela de Mitchell, en julio de 1936 por 50.000 dólares - una cantidad récord en ese momento a un autor desconocido para su primera novela, llevando a algunos a etiquetar la película como la "Locura de Selznick." En el momento del lanzamiento de la película, el libro de ficción había superado 1,5 millones de copias vendidas. Más registros se establecen cuando la película salió al aire por primera vez en televisión en dos partes a finales de 1976, y la controversia se presentó cuando fue restaurada y estrenada en cines en 1998.


La famosa película, rodada en Technicolor de tres tiras, es el más grande del cine, lleno de estrellas, el cine épico histórico del Viejo Sur en tiempos de guerra que cuenta con un reparto inmortal en un cuento intemporal, clásico de un romance de amor y odio. La heroína indomable, Scarlett O'Hara, lucha por encontrar el amor durante los años de la caótica Guerra Civil  y tiempo después, y en última instancia, debe buscar refugio para ella y su familia de vuelta a la amada plantación Tara. Allí, ella se hace cargo, defiende contra soldados de la Unión, insaciables, y con hambre. Ella finalmente se casa con su mundano admirador Rhett Butler, pero su apatía hacia él en su condena 

Greed, todo un clásico de 1924


Greed  narra el final trágico de los grandes salares de Valle de la Muerte en la obra maestra de Erich von Stroheim que es además absolutamente notable. Marcus (Jean Hersholt) se une a una pandilla y persigue a su viejo amigo y dentista McTeague (Gibson Gowland), ávido por la recompensa de $ 100 ofrecidos tras el asesinato y robo del sospechoso de Trina McTeague (Zasu Pitts) - y por las monedas de oro de la esposa. "McTeague se dirigía hacia el centro de Valle de la Muerte ... ese desierto horrible de la que incluso las bestias tenían miedo."


En la secuencia final, huye con el dinero McTeague de Trina en el calor sofocante y el desierto de  Valle de la Muerte  - un infierno literal y una representación simbólica del terreno expansivo y desolado del mundo interior de McTeague. En una lucha prolongada a la muerte en medio del desierto árido cubierto de tierra endurecida y agrietada alcalina, los dos hombres frente a frente luchan juntos por el oro y por el control. Luchan hasta que Marcus domina y golpea con el revólver a McTeague hasta darle muerte con el arma. Marcus se encuentra inmóvil y ensangrentado en el suelo, sin embargo, en medio de la lucha entre la vida y la muerte, McTeague ha apegado a la muñeca derecha de Marcus las esposas que lo atarían a él.


Se vuelve y mira a la bolsa de lona (con monedas de oro) la silla de la mula muerta. Él se sienta allí, anclado en el calor mortal y despiadado de  Valle de la Muerte , encadenado al cadáver de su amigo. Él tiene el oro, pero nada de agua. Sólo hay un enorme vacío a su alrededor mientras espera su propia muerte.

miércoles, 12 de septiembre de 2012

Vacaciones en Roma, primera película americana de Hepburn


Vacaciones en Roma (1953) es un encantador y cautivador cuento de hadas romántica rodada íntegramente en los exteriores de Roma, y producido y dirigido por uno de los directores más hábiles, distinguido y eminente profesional de Hollywood, William Wyler. Agridulce historia de la película es una encantadora comedia romántica, una especie de cuento de Cenicienta al revés (con un romance de abril a octubre). La princesa (Hepburn) se rebela contra sus obligaciones reales y se escapa de los confines de su prisión con aislamiento real de encontrar un 'príncipe azul'  en un plebeyo - un reportero estadounidense (Peck) que cubre el recorrido real en Roma. La historia se basa en los informes, las aventuras italianas de la vida real de la princesa británica Margaret.


Wyler era conocido por otras grandes películas como Dodsworth (1936) , Jezabel (1938) , Cumbres borrascosas (1939) , La carta (1940) , la Sra. Miniver (1942) , Los mejores años de nuestra vida (1946) , La heredera (1949) , Friendly Persuasion (1956) , Ben-Hur (1959) y Funny Girl (1968) . La bien elaboradas Wyler, películas con estilo que cubren una amplia gama de géneros cinematográficos (dramas familiares, westerns, las epopeyas, las comedias románticas y musicales, incluso una) incluye siempre los pies en la tierra personajes de la vida real.


 La película recibió diez nominaciones al Premio de la Academia en el género de la comedia. Ganó un Oscar a la Mejor Actriz, sin importar su insuficiente experiencia como británica (nacida en Bélgica) la actriz llamada Audrey Hepburn - que era su primera película americana, a pesar de que había aparecido previamente en seis películas europeas y en Broadway, en una adaptación de Colette Gigi.

A Star is Born, el mejor musical de todos los tiempos


A Star is Born es el magnífico musical 1954, aclamado por muchos como el mejor musical de Hollywood que jamás se ha hecho. Intensa interpretación de Judy Garland como protagonista, probablemente la mejor de toda su carrera, ilumina la película basada en guión Moss Hart. Se trata de un remake del original de William Wellman en 1937 la película del mismo nombre protagonizada por Janet Gaynor. La tercera versión fue un mal hecha Ha nacido una estrella (1976) con Barbra Streisand como cantante pop llamada Esther Hoffman y Kris Kristofferson como John Norman Howard - una estrella de rock.

 El director de la película, George Cukor, también había dirigido la película What Price Hollywood? (1932) que se considera la fuente de las tres versiones de la película. Cukor irónicamente comentó sobre Hollywood y la forma en que sólo se preocupaba por su propio posicionamiento estratégico de tres ceremonias oficiales de Hollywood al principio, mitad y final de la película. Cada una crónica la caída de un talento, alcohólica estrella de Hollywood (James Mason). [Los actores que rechazaron el papel incluido Humphrey Bogart, Cary Grant (quien aceptó, pero después lo rechazo), Gary Cooper, Marlon Brando y Montgomery Clift.]

La película emocionalmente intensa también hizo alusión a los problemas de la vida real y problemas (cinco matrimonios) en la carrera de su estrella femenina - una víctima del sistema de estudios de Hollywood - durante la toma de la película. El rendimiento realista Garland reflejó la agitación en su vida personal que llevaron a su muerte por una sobredosis de drogas - y paradójicamente, esta película y con una co-estrella como James Mason entregó su elogio fúnebre en Nueva York en 1969. 

Bonnie y Clyde, una película de Gángsters


Bonnie y Clyde (1967) es una de las películas de los años sesenta que más se habla, volátil, polémica, con delitos de gángster, con películas que combinan la comedia, terror, amor y violencia feroz. Fue producido por Warner Bros. - el estudio responsable de las películas de gángsters de los años 1930, y parece apropiado que esta película innovadora, revisionista y redefinió el género de crimen romántico  y de gángster y la representación de la violencia en la pantalla siempre.

Su productor, de 28 años, Warren Beatty, también toma un papel protagonista con la estrella Clyde Barrow, y su co-estrella de Bonnie Parker y la recién llegada al estrellato Faye Dunaway, se convirtió en una actriz de la pantalla principal como resultado de su gran avance en esta película influyente. Del mismo modo, desconocido Gene Hackman fue reconocido como un actor sólido y se encendió a la estrella en muchos papeles importantes (su papel principal siguiente era en Contacto en Francia (1971)).

La historia del ascenso y caída de Clyde como un gángster criminal anti-autoritario está claramente representada. Ambas figuras trágicas ejemplificar el margen de la ley, "inocentes sobre la marcha" que se aferran el uno al otro y tratan de funcionar como una familia. La película, con muchos estados de ánimo opuestos y los cambios en el tono (de grave a cómico), es una mezcla entre una película de gangsters, las tradiciones trágico-románticas, una película de carretera y de la amistad. Se ejemplifica muchas de las características del cine experimental de decisiones de la nueva ola francesa ( Nouvelle Vague ). [Originalmente, la película estaba destinada a ser dirigida por Jean-Luc Godard o François Truffaut, quien optó por salir y hacer Fahrenheit 451 (1966) en su lugar.] 

La Guerra de las galaxias de George Lucas


La Guerra de las galaxias (1977), (también conocido como Star Wars, Episodio IV: Una Nueva Esperanza) es uno de los más populares, de ficción rentable, ciencia divertida y exitosa, con acción y aventura, que agrega además fantasía películas de todos los tiempos. La película, filmada en su mayoría en Túnez, Guatemala y El Valle de la Muerte (California), con avanzada tecnología de efectos especiales en un grado no visto antes, con efectos especiales computarizados y digital temporizado. En última instancia, ayudó a resucitar a la viabilidad financiera del género de la ciencia-ficción, una categoría de películas que se consideraba frívola y poco rentables, y trajo la frase "Que la Fuerza te acompañe" en el uso común.


El director, graduado de USC, y escritor George Lucas había comenzado su carrera como director de la película de ciencia-ficción THX 1138 (1971) , una versión ampliada de una película premiada que hizo mientras estudiaba cine en la USC. Fue producido por American Zoetrope y la producción ejecutiva de Francis Ford Coppola. Luego pasó a dirigir y co-escribir el inmensamente popular American Graffiti (1973), una historia nostálgica sobre los adolescentes de California en los años 60. Le tomó cuatro años para Lucas desarrollar su próxima película - esta impresionante película de culto sobre "Hace mucho tiempo en una galaxia muy, muy lejana..." de la 20th Century Fox.


La producción de presupuesto modesto (alrededor de US $ 11 millones) de la compañía de producción TCF / LucasFilm, realizado en Gran Bretaña, se basó en los recuerdos de Lucas de matinée con los sábado por la tarde, series y cómics, generalmente con acantilados colgantes como escenario protagonista.

jueves, 16 de agosto de 2012

M * A * S * H, Una comedia en medio de la guerra


M * A * S * H (1970). La polémica, surrealista y satírica película de Robert Altman, (lo que le valió la primera de sus cinco nominaciones al Premio de la Academia), y mejor conocida como una famosa serie de televisión.  Caracterizada por poseer la contracultura, comedia de humor negro contra la guerra, la película tiene lugar en el hospital móvil del Ejército 4077a con sala quirúrgica (MASH) unidad durante la Guerra de Corea, una alegoría apenas disimulada de la impopular guerra de Vietnam, que estaba en su apogeo en el momento. 


Los personajes de la película en el reparto se convirtieron en los inolvidables: capitán Benjamin "Hawkeye" Pierce (Donald Sutherland), el capitán "Trapper" John McIntyre (Elliott Gould), el Mayor Margaret "Hot Lips" O'Houlihan (Sally Kellerman nominado al Oscar por su papel), el moralista Mayor Frank Burns (Robert Duvall), el Gran Duque Forrest (Tom Skerritt), el coronel Henry Blake (Roger Bowen) y el cabo Walter "Radar" O'Reilly (Gary Burghoff, el único miembro del reparto principal quien participa en la serie de TV).

Con una exquisita demostración de la caballeriza utilizada durante el rodaje, la película narrada en episodios con un poco de improvisación, básicamente, examina cómo los cirujanos suelen contar historias graciosas y otros miembros de la unidad frente a las presiones, el aburrimiento y la estupidez de la guerra, al participar en bromas y con un comportamiento anti-autoritario. Muchos se ven aterrorizados por las graves quemaduras y la participación de la sexy enfermera, con un inocente dentista que también participa durante todo el rodaje.  

En el calor de la noche, una increíble película de Norman Jewison


En el calor de la noche (1967).  Un detective de novela policíaca de suspenso narra la intensa historia, y  ganadora de un premio Oscar ese mismo año como mejor película, ambientada en la pequeña ciudad de Sparta, Mississippi durante un verano caluroso, con una puntuación innovador de Quincy Jones y con un título de la canción cantada por Ray Charles. Norman Jewison dirige magistralmente este melodrama y la narración de un guión de Stirling Silliphant que se basó en la novela de John Ball.


 Los carteles de la película proclamaron: "Tienen un asesinato en sus manos y no saben qué hacer con él.". La película de mentalidad liberal, realista, filmado por el director de fotografía Haskell Wexler (que había filmado sólo ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966) y más tarde pasaría a Coming Home (1978), fue un hito para la racialmente dividida a mediados de los 60’s porque obligó a la colaboración de una extraña pareja y un sheriff sureño intolerante, pero astuto, en el sur llamado Bill Gillespie (Rod Steiger) y un solitario, y un hombre negro experto en homicidios, del equipo de inteligencia en Filadelfia llamado Virgil Tibbs (Sidney Poitier). 


 La película, con un actor no blanco en un papel de liderazgo en calidad, fue tan polémica que no pudo ser filmado en el sur propiamente por los conflictos raciales de la época, por lo que los juegos se recrean en varias pequeñas ciudades en dos estados: Esparta, Freeburg, y Belleville, Illinois, y Dyersburg, Tennessee.

Blow Up, una película del cineasta Antonioni


Blow Up (1966). Es una estimulante, obra maestra de arte y ensayo italiano del director Antonioni Michelangelo, quien da una visión del mundo de la moda, y un misterio por descubrir, el asesinato de un desconocido que examina la naturaleza existencial de la realidad a través de la fotografía. Fue la primera película de Antonioni en Inglés, y se convirtió rápidamente en una de las películas más importantes de su década, y un hito en la liberalización de las actitudes hacia la desnudez de cine y expresiones de la sexualidad. La película, en algunos aspectos se asemeja a Hitchcock La ventana indiscreta (1954), y demostró ser influyente para otros jóvenes cineastas, es decir, Coppola en La conversación (1974) , y De Palma, Impacto (1981) .

 Un insensible a la realidad, nihilista, de alta moda de Londres, y la vida de un fotógrafo autónomo llamado Thomas (David Hemmings), que vive una vida a mediados de los años 60 en medio del exceso (las riquezas, la fama y las mujeres), quien se aburre con su lucrativa carrera de la fotografía de glamour. Así que recurre a la fotografía, en un estilo documental, el lado oscuro y sórdido de la vida en Londres, en posadas de mala muerte y los barrios marginales. 


 Inocentemente, él toma fotos de su vida en un parque solitario de un amante quien acude a una cita-encuentro con una enigmática mujer (Vanessa Redgrave) de mediana edad, y un hombre de traje gris claro. Ella lo persigue para pedir las fotos ilícitas, como se imagina que ha sido testigo de una escena de intriga sexual - sin pensar que puede haber obtenido evidencia visual accidental y criminal de un asesinato. El punto culminante es una secuencia de suspenso y el trastorno obsesivo del fotógrafo. 

lunes, 13 de agosto de 2012

Lawrence de Arabia, un clásico de todos los tiempos



Lawrence de Arabia (1962) es el relato fílmico de la heroica vida del inglés TE Lawrence, relato autobiográfico de su propia aventura árabe, publicado en "Los Siete Pilares de la Sabiduría" (publicado originalmente con el título Rebelión en el desierto).  con el guión por primera vez del guionista Robert Boltes, un estudio del carácter excepcional de un héroe de culto convincente, que exhibe homoeróticas, tendentes en su relación con su hermano árabe de sangre Ali Sherif (Omar Sharif), quien demuestra una obsesión con la propia Arabia.



La hermosa obra maestra es considerada por muchos conocedores de la cinematografía como una película magnífica en color y con poéticas imágenes del desierto capturado dentro de una espectacular historia épica de un gran aventurero idealista.



La película transmite la vida enigmática, compleja y las hazañas de un excéntrico, rebelde, amante del desierto, mesiánico, criado en Oxford, cartógrafo de profesión, oficial del ejército británico (en repetidas ocasiones se le refiere como a un "inglés"), que une a los beduinos que viven en el desierto de Arabia en contra de la turcos opresores (aliados de Alemania) durante la Primera Guerra Mundial su extraordinario conocimiento de la política y la cultura del Medio Oriente le permite organizar las diversas tribus árabes, los voluntariosos para repeler a los enemigos de los británicos. Lawrence de Arabia sin duda es todo un clásico del cine, bien narrado y con la mejor tecnología en imagen de la época, que sin duda captura las mejores imágenes a lo largo de toda la película. 

domingo, 22 de julio de 2012

Ciudadano Kane


La obra de arte fresco, sofisticado y clásico, Ciudadano Kane (1941), es probablemente la película más famosa y altamente valorada del mundo, con sus muchas escenas notables y actuaciones, las técnicas cinematográficas y narrativas e innovaciones experimentales (en la fotografía, edición y sonido). Su director, protagonista y productor eran el individuo mismo Orson Welles (! En su debut en el cine a los 25 años), que colaboró ​​con Herman J. Mankiewicz en el guión (y también con un sin acreditar John Houseman), y con Gregg Toland como su director de fotografía con talento. [El monto de las contribuciones de cada persona en el guión ha sido objeto de gran debate durante muchas décadas.] La obra de Toland cámara expresionista Karl Freund película de terror de Mad Love (1935) ejerció una profunda influencia en esta película.

La película, con un presupuesto de 800.000 dólares, recibió elogios de la crítica unánime, incluso en el momento de su lanzamiento, aunque no fue un éxito comercial (en parte debido a su distribución limitada y de liberación retardada por la RKO, debido a la presión ejercida por el famoso editor WR Hearst) - hasta que fue re-lanzado después de la Segunda Guerra Mundial, que se encuentra bien merecida (aunque tardío) reconocimiento en Europa, y luego jugó un papel importante en la televisión.

 La polémica película engendrado (y los esfuerzos en la supresión a principios de 1941 y los esfuerzos en la supresión a principios de 1941 a través de la intimidación, el chantaje, extensiones de prensa, descalificaciones e investigaciones del FBI) antes de que se estrenó en Nueva York el 1 de mayo de 1941, debido a que apareció a la ficción y caricaturizar ciertos acontecimientos y personas en la vida de William Randolph Hearst, un magnate de la prensa de gran alcance. La película fue acusado de trazar paralelismos notables, poco halagüeños, (sobre todo en lo que respecta al personaje de Susan Alexander Kane) a la vida real.