martes, 30 de octubre de 2012

Un tranvía llamado deseo, criticada por unos y alabada por muchos


Un tranvía llamado deseo (1951) es un subversivo,  film  que fue adaptada a partir de 1947 de Tennessee Williams, ganador del Premio Pulitzer (el primero) del mismo nombre. [Los primeros títulos de trabajo para la obra incluye la polilla, y The Night Poker .] El dramaturgo Williams adaptó su propia obra de teatro para la versión cinematográfica. Esta obra maestra que el film fue dirigido por el director  independiente  Elia Kazan (su primer trabajo con Williams), un director con conciencia social que insistió en que la película sea fiel a la obra (que había dirigido también en Broadway). Sin embargo, se abrió para incluir lugares sólo se mencionan brevemente o inexistentes en la obra, como la bolera, el muelle de un casino de baile, y la fábrica de la máquina.


La película cuenta la historia electrizante febril de la desaparición  mental y emocional de una dama sureña determinada, aún frágil, reprimida y delicada (Blanche) nació en una familia acomodada de plantadores de Mississippi. Su caída al empobrecido, trágico barrio francés, ademas miserable, agobiante y de mal gusto apartamento de un dormitorio de su hermana casada (Stella) y el  hermanastro Stanley (Marlon Brando) se encuentra en manos de las fuerzas salvajes y brutales de la sociedad moderna. En su búsqueda de refugio, se encuentra con que vive su hermana, con la embriaguez, la violencia, la lujuria y la ignorancia.


La película visceral, objeto de polémica, decadente, y "moralmente repugnante", desafió la censura del Código de Producción de reglamentación (y la Legión de la Decencia) con su drama adulto audaz y temas sexuales (la locura, la violación, la violencia doméstica, la homosexualidad, la obsesión sexual, y las mujeres promiscuas o la ninfomanía). En última instancia, señaló el debilitamiento de la censura de Hollywood (y grupos como la Legión Católica de la Decencia), aunque una serie de escenas fueron extirpados, y un nuevo diálogo fue escrito. Y el Código de la Producción insistió en que Stanley debía ser castigado por la violación por parte de la pérdida del amor de su esposa en la conclusión de la película. En 1993, aproximadamente de tres a cinco minutos de las escenas censuradas (es decir, referencias y específicas escenas de homosexuales de Blanche - o bisexuales con el joven esposo, su ninfomanía y la violación de Stanley a Blanche) fueron restaurados en vídeo a la versión del director original con una nueva publicación.





Al rojo vivo, una de las mejores películas de misterio


Al rojo vivo (1949) es uno de los mejores clásicos del crimen y dramas de la posguerra, y una de las últimas películas de Warner Bros del llamado crimen arenoso en su época. Al rojo vivo es un retrato divertido, fascinante e hipnótico de un extravagante, dominado por la madre y obsesionado, epiléptico y asesino psicótico, que a menudo brota con su humor. La película dinámica, tanto con el cine negro y los elementos de estilo documental, se caracteriza por un aumento del nivel de violencia y brutalidad, junto con elementos clásicos griegos.



El guión de la película por Ivan Goff y Ben Roberts fue sugerido por una historia del mismo nombre por Virginia Kellogg.Recibió una nominación al Oscar a la Mejor historia - la película sólo logró la nominación. La róxima película de Kellogg fue el drama carcelario brutal en Caged (1950) que establece en una institución para mujeres. El gángster, de sangre fría y retorcido  tiene mucha personalidad y defectos psicológicos, pero es trágico y finalmente traicionado por la estupidez de sus más cercanos cómplices (un miembro de mano derecha de banda e incluso su madre criminal), y por su amigo de confianza que es en realidad un policía encubierto. La película está inspirada en la vida real del gángster Arthur "Doc" y su madre Ma Barker.



El melodramático, freudiano mostrado en la película basada en el crimen se ve reforzada por la partitura musical de Max Steiner y el ritmo frenético brillantemente servido por el director. Las tres escenas más memorables incluyen:

  • La escena que retrataa el afecto insalubre del gángster hacia su madre que lo alivia durante los episodios de migraña.
  • La escena del desastre en prisión cuando el gángster loco se entera de la muerte de su madre y se va  a beserk
  • El final apocalíptico mientras muere en un resplandor de gloria.



El beso mortal, entre lo mejor de cine negro


El beso mortal (1955) es la definitiva, apocalíptica, nihilista, de ciencia ficción del cine negro de todos los tiempos, al cierre del período noir clásico. La película dura al filo de los años 50 en Los Ángeles el héroe (trasplantado de Nueva York), creado por la pulpa novela del escritor Mickey Spillane, sigue los pasos de los héroes de detectives de otras de las plumas de Raymond Chandler (Phillip Marlowe), Dashiell Hammett y James M. Cain . Anteriores películas del director Robert Aldrich habían sido sólo dos westerns de rutina y un film noir: Vera Cruz (1954) y Apache (1954), y el Mundial de Ransom (1954) . Se iba a dirigir el seguimiento de The Big Knife (1956) , y dos thrillers de terror macabro psicológicos: ¿Qué fue de Baby Jane (1962) y Hush, Hush Sweet Charlotte (1965) . La fotografía por Ernest Laszlo había trabajado en otro famoso noir, la película, DOA (1950) , que lo preparó para esta película. En tanto, utilizó iluminación expresionista  y sombras, reminiscient de El gabinete del Dr. Caligari (1920) .


Esta película independiente cuenta con un barato presupuesto y narra la historia del investigador despreciable, fascista y vigilante llamado Mike Hammer cuyas marcas son la violencia brutal, la filosofía fin justifica los medios y la velocidad. El policía duro y despiadado que va por la búsqueda egoísta y solitaria del objeto apocalíptico al rojo vivo en una misteriosa "caja de Pandora", conduce a la catástrofe nuclear y la aniquilación durante la final explosivo en una casa de playa de Malibú - aunque no hay mención explícita de la bomba atómica, nuclear o termo en la película nihilista. Una versión censurada de la película imprudente, debido a la Liga Católica de Decencia, dio lugar a finales alternativos - pero los dos episodios finales fueron catastróficos.



Tiene todos los elementos de la gran película de cine negro - una secuencia de apertura Stark,  bajos fondos mafiosos y un antihéroe, escenas nocturnas iluminadas, una misión vengativa, y un estado de ánimo oscuro de desesperanza. 

Contacto en Francia, entre las mejores de Hollywood



Contacto en Francia (1971) del brillante director William Friedkin, de ritmo rápido, brutalmente realista narra el delito de la policía y su ruptura comercial a través del cine. La película fiel a la vida de la mayor incautación de drogas de todos los tiempos en 1962 - con un innovador semi-documental, con un estilo de técnica que transmite la historia con muy pocas palabras, fue producido por Phillip D'Antoni que había hecho la emocionante película sobre el policía Bullitt (1968) .El thriller policial cuenta con un protagonista antipático, el vulgar, brutal, incansable, antipático, maniático y sádico Jimmy "Popeye" Doyle (Gene Hackman) como el principal secreto de la policía de narcóticos en Nueva York, y la línea fina entre la lucha contra la delincuencia y la comisión de delitos en sí mismo. Él apasionada y obsesiva persigue narcotraficantes con su compañero Buddy "Cloudy" Russo (Roy Scheider). Uno de los carteles de la película enfatizó: "Doyle siempre trae malas noticias, pero es un buen policía." 



El guión  de la película fue basada en el libro best seller Robin Moore del mismo nombre sobre los despiadados de la vida real y las aventuras del idiosincrático de la escuadra de oficiales en narcóticos comandados por Egan Eddie (el personaje de Doyle) y Sonny Grosso (Russo) - ambos tienen experiencia en cine ademas por lo cual en la película se desempeñaron como asesores técnicos de la película.



La película, nominada fuertemente (con ocho nominaciones) era un premio de múltiples academias ganando por el gran esfuerzo, teniendo galardones en cinco categorías: Mejor director (William Friedkin), Mejor Actor (Hackman con su primer Oscar), Mejor Guión Adaptado (Ernest Tidyman), Mejor montaje (Jerry Greenberg), y Mejor Película. Las otras tres nominaciones fueron: Mejor Actor de Reparto (Roy Scheider),  Mejor Sonido y fotografía (Owen Roizman).

martes, 23 de octubre de 2012

Indiana Jones y su legendaria búsqueda por el arca perdida


En busca del arca perdida (1981) es el espectacular película de aventura, que te deja sin aliento, establecido un paso sin parar de acción y aventura de la película de 1980. Fue en verano un enorme éxito de taquilla. La película fue concebida por el productor George Lucas y dirigida por Steven Spielberg. [Cabe destacar que esta fue la primera colaboración plena entre los dos legendarios cineastas americanos.] Acreditado guión de Lawrence Kasdan por la película que estaba basada en una historia de George Lucas y con los colaboradores Philip Kaufman.


Harrison Ford, quien había protagonizado Lucas, Star Wars (1977), tomó el papel del arqueólogo trotamundos, aventurero, héroe de libros de comics, profesor de academia con una chaqueta de cuero y látigo cuando Tom Selleck rechazó el papel y optó por seguir su carrera en la televisión como Magnum, PI (Tim Matheson, Nick Nolte, y Peter Coyote también fueron considerados para el papel, y Sean Young se puso a prueba para el papel finalmente aceptada por Karen Allen. Selleck más tarde apareció en una Raiders  en la  película titulada  Camino a China (1983).)


 El fanfarrón, quien le tiene un impresionante  miedo a las serpientes fue diseñado para ser imperfecto pero arrogante, con frecuencia cuenta con: "Confianza en si mismo" El personaje fue originalmente llamado Indiana Smith, pero fue cambiado por Spielberg. [Nota: "Indiana" era el nombre del perro de Lucas. El carácter aventurero de Indiana Jones fue basado libremente en un arqueólogo de principios del siglo XIX italiano llamado Giovanni Belzoni, quien se hizo famoso por explorar y excavar preciados sitios egipcios.


El durmiente, un éxito mas de Woody Allen



Durmiente (1973) película de  ciencia ficción de Woody Allen, sin duda es todo un clásico de la comedia satírica y la comedia screwball  del futuro - con música dixieland y swing. El cartel de la película decía: "WOODY ALLEN TOMA una mirada nostálgica hacia el futuro." Esta película era de un período anterior de Allen, cuando era conocido por aparecer en o dirigir comedias ligeras, como Toma el dinero y corre (1969), Bananas (1971) , Play It Again, Sam (1972) y Todo lo que siempre quiso a saber sobre el sexo y no se atrevió a preguntar (1972) .




Lleno de una sola línea, la película de Allen, tanto satiriza los años 1970 y parodias de ciencia ficción libros y los clásicos del pasado, como Buck Rogers "Serial" (1939), de Carroll Alicia en el País de las Maravillas, de Kubrick 2001: Una odisea del espacio (1968) y La naranja mecánica (1971), de George Lucas THX 1138 (1971), la novela futurista de George Orwell 1984 , y Aldous Huxley Un mundo feliz.



También evoca clásicos de la comedia slapstick como Harold Lloyd y Buster Keaton películas, la Keystone Kops, Chaplin, Tiempos modernos (1936) y los Hermanos Marx Sopa de ganso (1933). Al igual que Chaplin en muchas de sus películas, Allen dirigió, escribió, protagonizó, y compuso la banda sonora de esta película. La película narra la historia de un músico de jazz clarinete y co-propietario de una tienda de alimentos saludables en Greenwich Village, nerdy Miles Monroe (Woody Allen), se encuentra 200 años en el futuro distópico en el año 2173. 

King Kong, un clásico para nunca olvidar


El mayor y más famoso clásico del cine de aventuras y fantasía (y de horror) de todos los tiempos es King Kong (1933). Los co-productores y directores Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack (tanto de la vida real aventureros y documentalistas de cine) concibieron la historia de bajo presupuesto de una mujer hermosa, valiente rubia (Fay Wray) y un aterrador, gigantesco, mono que es a la vez un monstruo como una metáfora de re-narración de la belleza arquetípica y la fábula Bestia. [Fay Wray cree erróneamente que su película en la que fue co-estrella, "seria su mejor película en Hollywood," sería Cary Grant en lugar de la bestia. Más tarde en su vida, su autobiografía titulada "On the Other Hand" en memoria de su  escena retorciéndose en los brazos de King Kong.]





 Los temas principales de la película incluyen la lucha por la supervivencia en la primitiva, envuelta en niebla, Isla tropical  Calavera entre los cineastas apasionados y enérgicos (dirigida por Robert Armstrong), el héroe (Bruce Cabot en una zona originalmente ofrecido a Joel McCrea), vudús nativos, y las fuerzas de la naturaleza (la única criatura Bestia), el amor no correspondido y la frustración y la represión de los deseos sexuales violentos. Sin embargo, el simio primitivo, gigante también debe luchar contra las fuerzas de la civilización urbana y la tecnología cuando se explota con fines de lucro y llega para su exhibición en Nueva York durante una época de opresión económica.






Desde el comienzo de la película, su guión inteligente por James Ashmore Creelman y Ruth Rose (basado en una historia de Merian C. Cooper y Edgar Wallace) sugirió el terror que viene. La película se rodó durante la primavera y el verano de 1932 en los confines del estudio. Debido a su limitado presupuesto.  

Patton, el General que se hizo héroe


 Patton (1970) es la biografía película épica de la Guerra de lo controversial, rimbombante, multi-dimensional. El General mundial de la guerra y héroe George S. Patton. El más grande de la época, extravagante y disidente, figura militar beligerante, apodada "Sangre vieja y tripas", era bien conocido por su amor feroz por América, al mando de su campo de batalla temperamental, su arrogante poder de la lujuria (Que Dios me ayude, lo que hago lo quiero tanto. Me gusta mucho más que a mi vida "), su escritura poética, su bofetadas de un soldado de batalla fatigado, su anti-diplomática crítica a la Unión Soviética, y su despido de pistolas en aviones de combate.

La película, rodada en 70 mm. Panorámica de color, recibió una fenomenal calificación y diez nominaciones a los Oscar y ganó siete premios principales: Mejor Película, Mejor Actor (Scott se negó a aceptar el honor), Mejor Director (Franklin J. Schaffner), Mejor historia y guión (Francis Ford Coppola y Edmund H . Norte), Mejor Dirección Artística / Decoración, Mejor Sonido y Mejor Montaje. Sus otras tres nominaciones fueron: Mejor Fotografía, Mejor Banda Sonora Original (Jerry Goldsmith) y Mejores Efectos Visuales Especiales. La historia se basa en dos libros: Patton: Ordeal y triunfo por Ladislas Farago e Historia de un soldado por el general Omar Bradley (interpretado por Karl Malden). Como resultado de la victoria del avance de Coppola en 1970, se dedicó a escribir y dirigir El Padrino (1972).




Aunque George C. Scott interpretó al famoso general perfectamente y se convirtió en película arquetípico de Scott, el papel era considerado también por Burt Lancaster, Rod Steiger, Lee Marvin, Robert Mitchum y John Wayne.