La noche del cazador, la historia de un asesino en serie

 La noche del cazador (1955) es una obra maestra clásica verdaderamente convincente, inquietante y aterrador thriller de fantasía, y la única película dirigida por el gran actor británico Charles Laughton. El gótico americano, el relato bíblico de la codicia, la inocencia, la seducción, el pecado y la corrupción fue adaptada para la pantalla por el famoso escritor Agee- James (y Laughton, pero sin crédito de la pantalla). Aunque una de las mejores películas americanas de todos los tiempos, la imaginación, el trabajo experimental, sofisticado era idiosincrásico, en una película noirish, onírico expresionista y extraño, y era a la vez ignorada e incomprendida en el momento de su lanzamiento. Originalmente, fue un fracaso comercial y de crítica.

Robert Mitchum le dio lo que algunos consideran su mejor actuación en un papel que sentó precedente, impopular y aterradora verdad que las tendencias de ojos soñolientos, diabólico y oscuro de alma, autoproclamado como un asesino en serie. El psicótico, asesino, mientras esta en la búsqueda de $ 10.000 en efectivo. Lillian Gish jugó su papel mas importante como una santa mujer buena que proporcionaba refugio a los niños víctimas de desamparo.

La historia inquietante, complejo, basado en el popular best-seller 1953 era de la Depresión,  novela del mismo nombre por primera vez escrito por Davis Grubb, quien estableció la ubicación de su novela en la ciudad de Moundsville, Virginia Occidental, Virginia Occidental, donde el Penitenciario (también mencionado en la película) se encontraba. Grubb vive en las cercanías de Clarksburg como un joven adolescente.

El halcón maltés, la primera película del cine negro

El halcón maltés (1941) es uno de los misterios de detectives más populares y clásicos que mejor jamás se ha hecho, y muchos historiadores cinematográficos consideran que es la primera de la era del  "film noir" o bien cine negro, como género en Hollywood. Se deja a los espectadores con una conclusión clara y con un sabor amargo. La película de bajo presupuesto refleja el notable debut como director de John Huston (anteriormente guionista) que de manera eficiente y hábilmente compuesto y grabado en este clásico americano para Warner Bros. Studios, con grandes diálogos, los personajes engañosos, y las escenas amenazantes.

El precoz director Huston era muy fiel lector de la novela de Dashiell Hammett El halcón maltés 1929 , que había aparecido originalmente como una historia de cinco partes por entregar en una ficción, la historia de detective así como la publicación revista llamada Máscara Negro . Sin embargo, para una primera vista previa de la audiencia, la película llevó otro curso, de corta duración del título, La Gent Del Frisco . Hay dos grandes diferencias entre el libro y la película: 1.  Gutman fue asesinado por Wilmer, y 2. la última línea de diálogo es citable, con una referencia de Shakespeare, lo cual fue ideado por Bogart en el set.

La película de estilo es una mezcla de misterio, romance y suspenso. Es sobre todo conocido por una serie de representaciones memorables de corruptos y fraudulentos, tercos villanos ("The Fat Man" o Gutman por Sydney Greenstreet), los bajos fondos extravagantes de los ladrones (Peter Lorre y Cook Gunsel 'Eliseo, Jr.)) Y los héroes difíciles, entrecruzados, con complejas interacciones entre los personajes vívidamente, intrigas y engaños. Todo está contenido en las caracterizaciones maravillosas y líneas de diálogo.

Sunset Boulevard, entre los grandes clásicos de Hollywood

Sunset Boulevard (1950) es una comedia clásica de humor negro con un poco de drama, y quizás el más aclamado, pero más oscuro film-noir de la historia "detrás de escena" de Hollywood, usando el autoengaño, el vacío espiritual y espacial, y el precio de la fama, la codicia, narcisismo y ambición. El estado de ánimo de la película se estableció inmediatamente como decadente y en descomposición por el narrador póstumo - un hombre muerto flotando boca abajo en una piscina en Beverly Hills.

Con ingenio cáustico y amargo en una historia que mezcla realidad y ficción a la vez y el sueño y la realidad, con el co-escritor y director Billy Wilder quien expone de manera realista (con numerosas bromas) las influencias corruptoras, devastadores del nuevo Hollywood y el sistema de estudio, mostrando el declive de las viejas leyendas de Hollywood durante muchos años después de la llegada del sonido. El guión se basó en la historia una lata de frijoles por Wilder y Brackett -. Este fue el último esfuerzo de colaboración de la película Brackett y Wilder que habían trabajado juntos en muchas películas desde 1938.

Este film clásico, trágico fue altamente considerado en su época, honrado con once nominaciones al Oscar y ganando tres premios Oscar: Mejor historia y guión (co-escrito por Charles Brackett, Marshman DM, Jr. y Billy Wilder), Mejor Scoring Negro y Decoración White Dirección Artística y Set, y el mejor de un cuadro dramático o de la comedia (Franz Waxman). Los ocho nominaciones infructuosas fueron a la Mejor Película, Mejor Actor (William Holden), Mejor Actriz (Gloria Swanson, quien perdió cambiada por Judy Holliday) Mejor Actor de Reparto (Erich von Stroheim), Mejor Actriz de Reparto (Nancy Olson), Mejor Director, Mejor fotografía (John Seitz), y Mejor Montaje.

Con faldas y a lo loco (1959), entre las mejores comedias de todos los tiempos

El escandaloso de todos los tiempos y satírica comedia Con faldas y a lo loco (1959) es una de las más hilarantes, películas escandalosas que jamás se han hecho. La película obscena es una inteligente combinación de muchos elementos: una parodia de las películas de gángsters 1920-30 con trajes de época y clandestinos, y el romance en una comedia central, con identidades entrelazadas y engañosas, invirtió los roles sexuales y travestismo. De hecho, uno de los temas principales de la película es el disfraz y la mascarada - por ejemplo, los trajes de arrastre de los dos músicos masculinos, el disfraz de Joe como Cary Grant, como millonario impotente, y la felicidad de Jerry con un verdadero rico, dueño de un yate de jubilados.

También es una película en blanco y negro (que recuerda a la época del cine temprano) lleno de acción sin parar (por ejemplo, la primera persecución en coche) y de una sola línea que recuerda a los Hermanos Marx y comedias de Mack Sennett. Una anterior película de Bob Hope tenía el mismo título: Con faldas ya lo loco (1939). Título de trabajo de la película era Not Tonight, Josephine! (su origen fue llevado desde la respuesta de Napoleón Bonaparte al negarse a tener sexo con la emperatriz Josephine).

La película fue excepcional y también la más taquillera comedia a su vez, una de las películas más exitosas de 1959, y la comedia más divertida de Wilder en su carrera. La película fue inspirada por el director alemán Kurt Hoffmann película de comedia y musical Fanfares of Love (1951) (también conocido como Fanfaren der Liebe) con un elemento de la trama similar que el escritor y director Wilder expuso. Con las actuaciones de Marilyn Monroe y Tony Curtis, sin duda, es un clásico que no te puedes perder. 

Rebecca, un clásico de Hitchcock

Rebecca (1940) es el clásico de Hitchcock, un thriller de misterio gótico y una irresistible (historia de fantasmas inquietante) sobre un romance torturado. Una película costosa producida por David O. Selznick (tras su reciente éxito con Lo que el viento se llevó (1939) ), fue esta la primera película americana de Hitchcock en Hollywood, aunque conservó características claramente británicos de sus misteriosos asesinatos anteriores. El guión de la película sombría (por Robert E. Sherwood y Joan Harrison) se basa en una traducción literal de 1938 de la novela gótica de Daphne du Maurier del mismo nombre, con la tradicional Charlotte Brontë Jane Eyre. Uno de los carteles de la película hace la pregunta intrigante: "¿Cuál era el secreto de Manderley?"

La película crea una atmósfera inquietante que rodea el cortejo trágico del matrimonio y la relación de una mujer ingenua, simple e inocente joven (Joan Fontaine) a un viudo melancólico y sobrecargado - un aristócrata, de mal humor y patriarca (Laurence Olivier), que vive en una finca llamada Manderley. [Nota: La mujer estaba sin nombre, como en la novela, pero en los primeros borradores del guión original, el nombre de la heroína era Daphne - después de Daphne du Maurier]

La novia patética, desconcertada y tímida con temor, dolor y la culpa cuando psicológicamente es dominada por la "presencia" y recuerdos de la esposa fallecida (llamada Rebecca), quien además está siendo atormentada por la ama de llaves de Rebecca (Judith Anderson) quien adora ciegamente a la difunta.  Esta película en blanco y negro recibió once nominaciones a los Oscar - y ganó por el director designado a su primer y único Oscar de Mejor Película, superando a la fuerte competencia en el año de 1940 con las uvas de la ira , El Gran Dictador, entre otras películas mas. 

Cadena perpetua, nominada a 7 Premios de la Academia

Cadena perpetua (1994) es una pieza extraordinario y  fascinante realización del director de películas Frank y del guionista de Darabont en 1982 que adaptó el horror maestro de la novela de Stephen King Rita Hayworth y la redención de Shawshank (publicado por primera vez por Different Seasons ) por su primer largometraje. La inspiración, afirmación de la vida y edificante, pero pasado de moda al estilo de Hollywood (que se asemeja El hombre de Alcatraz (1962) y La leyenda del indomable (1967) ) es una película con combinación de prisión, drama y estudio de caracteres. El cine popular es fomentado por la cinematografía de oro de Roger Deakins, una excelente puntuación gracias a  Thomas Newman, y un tercer personaje imponente, la prisión estatal de Shawshank, ubicada en Maine.

La película ilustra el poder liberador, redentor de la esperanza y los temas religiosos de la libertad y de la resurrección, con las palabras: "El miedo puede mantener preso, esperamos que se os hará libres. La película es un cuento alegórico de la amistad, la paciencia, la esperanza, la supervivencia, la emancipación y redención final y la salvación por el momento final de la película.

Fue nominada a siete Premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, Mejor Actor (Morgan Freeman), Mejor Guión Adaptado, Mejor Sonido Fotografía, Mejor Montaje, Mejor Música Original - pero no pudo ganar un solo Oscar. Y el director de la película no recibió una nominación. En el mismo año de Forrest Gump , Pulp Fiction , y Speed , recibieron toda la atención. La película finalmente fue la precursora de otra película inspiradora y popular (y una adaptación similar de un relato de Stephen King, escrita por Frank escritor y Darabont como director) - La milla verde (1999).

Lo que el viento se llevo, un clásico de todos los tiempos

 Lo que el viento se llevo (1939) es a menudo considerado el más amado, cine duradero y popular de todos los tiempos. Guión de Sidney Howard se derivó de la primera y única publicación de Margaret Mitchell y de mayor venta “Guerra Civil y la Reconstrucción” la novela con 1.037 páginas que apareció por primera vez en 1936, pero fue escrito en su mayoría en la década de 1920. 

El productor David O. Selznick había adquirido los derechos cinematográficos de la novela de Mitchell, en julio de 1936 por 50.000 dólares - una cantidad récord en ese momento a un autor desconocido para su primera novela, llevando a algunos a etiquetar la película como la "Locura de Selznick." En el momento del lanzamiento de la película, el libro de ficción había superado 1,5 millones de copias vendidas. Más registros se establecen cuando la película salió al aire por primera vez en televisión en dos partes a finales de 1976, y la controversia se presentó cuando fue restaurada y estrenada en cines en 1998.

La famosa película, rodada en Technicolor de tres tiras, es el más grande del cine, lleno de estrellas, el cine épico histórico del Viejo Sur en tiempos de guerra que cuenta con un reparto inmortal en un cuento intemporal, clásico de un romance de amor y odio. La heroína indomable, Scarlett O'Hara, lucha por encontrar el amor durante los años de la caótica Guerra Civil  y tiempo después, y en última instancia, debe buscar refugio para ella y su familia de vuelta a la amada plantación Tara. Allí, ella se hace cargo, defiende contra soldados de la Unión, insaciables, y con hambre. Ella finalmente se casa con su mundano admirador Rhett Butler, pero su apatía hacia él en su condena 

Greed, todo un clásico de 1924

Greed  narra el final trágico de los grandes salares de Valle de la Muerte en la obra maestra de Erich von Stroheim que es además absolutamente notable. Marcus (Jean Hersholt) se une a una pandilla y persigue a su viejo amigo y dentista McTeague (Gibson Gowland), ávido por la recompensa de $ 100 ofrecidos tras el asesinato y robo del sospechoso de Trina McTeague (Zasu Pitts) - y por las monedas de oro de la esposa. "McTeague se dirigía hacia el centro de Valle de la Muerte ... ese desierto horrible de la que incluso las bestias tenían miedo."

En la secuencia final, huye con el dinero McTeague de Trina en el calor sofocante y el desierto de  Valle de la Muerte  - un infierno literal y una representación simbólica del terreno expansivo y desolado del mundo interior de McTeague. En una lucha prolongada a la muerte en medio del desierto árido cubierto de tierra endurecida y agrietada alcalina, los dos hombres frente a frente luchan juntos por el oro y por el control. Luchan hasta que Marcus domina y golpea con el revólver a McTeague hasta darle muerte con el arma. Marcus se encuentra inmóvil y ensangrentado en el suelo, sin embargo, en medio de la lucha entre la vida y la muerte, McTeague ha apegado a la muñeca derecha de Marcus las esposas que lo atarían a él.

Se vuelve y mira a la bolsa de lona (con monedas de oro) la silla de la mula muerta. Él se sienta allí, anclado en el calor mortal y despiadado de  Valle de la Muerte , encadenado al cadáver de su amigo. Él tiene el oro, pero nada de agua. Sólo hay un enorme vacío a su alrededor mientras espera su propia muerte.

Vacaciones en Roma, primera película americana de Hepburn

Vacaciones en Roma (1953) es un encantador y cautivador cuento de hadas romántica rodada íntegramente en los exteriores de Roma, y producido y dirigido por uno de los directores más hábiles, distinguido y eminente profesional de Hollywood, William Wyler. Agridulce historia de la película es una encantadora comedia romántica, una especie de cuento de Cenicienta al revés (con un romance de abril a octubre). La princesa (Hepburn) se rebela contra sus obligaciones reales y se escapa de los confines de su prisión con aislamiento real de encontrar un 'príncipe azul'  en un plebeyo - un reportero estadounidense (Peck) que cubre el recorrido real en Roma. La historia se basa en los informes, las aventuras italianas de la vida real de la princesa británica Margaret.

Wyler era conocido por otras grandes películas como Dodsworth (1936) , Jezabel (1938) , Cumbres borrascosas (1939) , La carta (1940) , la Sra. Miniver (1942) , Los mejores años de nuestra vida (1946) , La heredera (1949) , Friendly Persuasion (1956) , Ben-Hur (1959) y Funny Girl (1968) . La bien elaboradas Wyler, películas con estilo que cubren una amplia gama de géneros cinematográficos (dramas familiares, westerns, las epopeyas, las comedias románticas y musicales, incluso una) incluye siempre los pies en la tierra personajes de la vida real.

 La película recibió diez nominaciones al Premio de la Academia en el género de la comedia. Ganó un Oscar a la Mejor Actriz, sin importar su insuficiente experiencia como británica (nacida en Bélgica) la actriz llamada Audrey Hepburn - que era su primera película americana, a pesar de que había aparecido previamente en seis películas europeas y en Broadway, en una adaptación de Colette Gigi.

A Star is Born, el mejor musical de todos los tiempos

A Star is Born es el magnífico musical 1954, aclamado por muchos como el mejor musical de Hollywood que jamás se ha hecho. Intensa interpretación de Judy Garland como protagonista, probablemente la mejor de toda su carrera, ilumina la película basada en guión Moss Hart. Se trata de un remake del original de William Wellman en 1937 la película del mismo nombre protagonizada por Janet Gaynor. La tercera versión fue un mal hecha Ha nacido una estrella (1976) con Barbra Streisand como cantante pop llamada Esther Hoffman y Kris Kristofferson como John Norman Howard - una estrella de rock.

 El director de la película, George Cukor, también había dirigido la película What Price Hollywood? (1932) que se considera la fuente de las tres versiones de la película. Cukor irónicamente comentó sobre Hollywood y la forma en que sólo se preocupaba por su propio posicionamiento estratégico de tres ceremonias oficiales de Hollywood al principio, mitad y final de la película. Cada una crónica la caída de un talento, alcohólica estrella de Hollywood (James Mason). [Los actores que rechazaron el papel incluido Humphrey Bogart, Cary Grant (quien aceptó, pero después lo rechazo), Gary Cooper, Marlon Brando y Montgomery Clift.]

La película emocionalmente intensa también hizo alusión a los problemas de la vida real y problemas (cinco matrimonios) en la carrera de su estrella femenina - una víctima del sistema de estudios de Hollywood - durante la toma de la película. El rendimiento realista Garland reflejó la agitación en su vida personal que llevaron a su muerte por una sobredosis de drogas - y paradójicamente, esta película y con una co-estrella como James Mason entregó su elogio fúnebre en Nueva York en 1969. 

Bonnie y Clyde, una película de Gángsters

Bonnie y Clyde (1967) es una de las películas de los años sesenta que más se habla, volátil, polémica, con delitos de gángster, con películas que combinan la comedia, terror, amor y violencia feroz. Fue producido por Warner Bros. - el estudio responsable de las películas de gángsters de los años 1930, y parece apropiado que esta película innovadora, revisionista y redefinió el género de crimen romántico  y de gángster y la representación de la violencia en la pantalla siempre.

Su productor, de 28 años, Warren Beatty, también toma un papel protagonista con la estrella Clyde Barrow, y su co-estrella de Bonnie Parker y la recién llegada al estrellato Faye Dunaway, se convirtió en una actriz de la pantalla principal como resultado de su gran avance en esta película influyente. Del mismo modo, desconocido Gene Hackman fue reconocido como un actor sólido y se encendió a la estrella en muchos papeles importantes (su papel principal siguiente era en Contacto en Francia (1971)).

La historia del ascenso y caída de Clyde como un gángster criminal anti-autoritario está claramente representada. Ambas figuras trágicas ejemplificar el margen de la ley, "inocentes sobre la marcha" que se aferran el uno al otro y tratan de funcionar como una familia. La película, con muchos estados de ánimo opuestos y los cambios en el tono (de grave a cómico), es una mezcla entre una película de gangsters, las tradiciones trágico-románticas, una película de carretera y de la amistad. Se ejemplifica muchas de las características del cine experimental de decisiones de la nueva ola francesa ( Nouvelle Vague ). [Originalmente, la película estaba destinada a ser dirigida por Jean-Luc Godard o François Truffaut, quien optó por salir y hacer Fahrenheit 451 (1966) en su lugar.] 

La Guerra de las galaxias de George Lucas

La Guerra de las galaxias (1977), (también conocido como Star Wars, Episodio IV: Una Nueva Esperanza) es uno de los más populares, de ficción rentable, ciencia divertida y exitosa, con acción y aventura, que agrega además fantasía películas de todos los tiempos. La película, filmada en su mayoría en Túnez, Guatemala y El Valle de la Muerte (California), con avanzada tecnología de efectos especiales en un grado no visto antes, con efectos especiales computarizados y digital temporizado. En última instancia, ayudó a resucitar a la viabilidad financiera del género de la ciencia-ficción, una categoría de películas que se consideraba frívola y poco rentables, y trajo la frase "Que la Fuerza te acompañe" en el uso común.

El director, graduado de USC, y escritor George Lucas había comenzado su carrera como director de la película de ciencia-ficción THX 1138 (1971) , una versión ampliada de una película premiada que hizo mientras estudiaba cine en la USC. Fue producido por American Zoetrope y la producción ejecutiva de Francis Ford Coppola. Luego pasó a dirigir y co-escribir el inmensamente popular American Graffiti (1973), una historia nostálgica sobre los adolescentes de California en los años 60. Le tomó cuatro años para Lucas desarrollar su próxima película - esta impresionante película de culto sobre "Hace mucho tiempo en una galaxia muy, muy lejana..." de la 20th Century Fox.

La producción de presupuesto modesto (alrededor de US $ 11 millones) de la compañía de producción TCF / LucasFilm, realizado en Gran Bretaña, se basó en los recuerdos de Lucas de matinée con los sábado por la tarde, series y cómics, generalmente con acantilados colgantes como escenario protagonista.